Kategorie: Ausgaben

Von Marcel Lemmes | Der vorliegende Artikel untersucht die Konstruktion von sozialen Hierarchisierungen und (Re-)Produktion von Stereotypen im Digitalen am Beispiel von populistischen Internet-Memes in sozialen Medien. Nach begrifflichen Vorüberlegungen zu einer memetischen Praxis und zu Populismus als Konzept zwischen dünner Ideologie und rhetorischer Strategie, werden diese Prozesse mithilfe des Bourdieu’schen Begriffs von symbolischer Gewalt anhand von Fallbeispielen beschreibbar gemacht. Soziales, symbolisches und ein spezifisches memetisches Kapital erweisen sich dabei als zentral.

By Adil Boughlala, Vera van Nuenen and Anneke Smelik | This paper presents an intergenerational dialogue between a senior fashion theorist and two early-career researchers, exploring emerging perspectives on digital fashion and theory. In addition to their academic work, the two early-career researchers also edit WETWARE Magazine, an experimental publication dedicated to digital fashion. The authors examine how digital fashion functions primarily as a pictorial practice—rooted in image-making, screen cultures, and visual aesthetics—while simultaneously challenging traditional definitions of fashion as material, tactile, and body-bound. This dialogue positions digital fashion within a broader shift toward fashion’s increasing visuality, shaped by platforms such as social media, immersive VR/AR, gaming environments, NFTs, and virtual archives. The authors explore how digital garments are created to be circulated, seen, and experienced visually rather than worn physically. Drawing on posthumanism, new materialism, and visual culture, the authors highlight how digital fashion blurs boundaries between object and image, presence and simulation, fashion and media.

Key themes include the nature of digital garments; the evolution of fashion as a screen-based, image-driven practice; the role of visual tactility in simulating material qualities; and the emotional attachments formed around intangible yet culturally potent fashion objects. The dialogue addresses the paradox of digital fashion’s ephemerality within a hyper-material consumer society and its entanglement with infrastructures of display and mediation. The authors underscore the current trends and changes in fashion by linking digital fashion to pictorial and medial practices, both screen-based and printed, while interrogating the position of digital fashion within the broader scope of fashion studies and contemporary fashion discourse.

Von Hans J. Wulff | Die Idee der Tropen, die ursprünglich aus der antiken Rhetorik stammt und die Ersetzung eines sprachliche Ausdrucks durch einen anderen, nicht-synonymen Ausdruck aus einem anderen Bedeutungsfeld vorsieht, zeigt sich bei der Übertragung auf visuelle Darstellungen als komplex. Dies liegt nicht nur an der anderen Art des referentiellen Bezugs von Bildern im Vergleich zu sprachlichen Zeichen, die konzeptueller und abstrakter sind, sondern auch daran, dass Bilder stets als Kombination verschiedener Elemente (Realia und Strukturen) erscheinen. Selbst eine kurze Betrachtung von Beispielen visueller Repräsentationen zeigt, dass eine Rückführung auf “eigentliche Bedeutungen” (ob inhaltlicher oder formaler Natur) stets auf der Grundlage kulturellen Wissens erfolgen muss. Die dabei angenommenen Bildformen gehören dann zur Phänomenologie kultureller Wissenseinheiten und nicht zur Produktivität der Sprache. Auf der Basis von Modellen aus der linguistischen Semantik und der kognitiven Semiotik wird vorgeschlagen, sogenannte Handlungsrollen als phänotypische Elemente visueller Darstellungen kultureller Einheiten zu erfassen, beispielsweise in der Jazz-Bildgestaltung und der für den Jazz essentiellen Performativität – von Akteursrollen (Solisten, Gruppen, Orchester) über Instrumente und Ortsdarstellungen von Publikum bis hin zu den ursprünglichen und aktuellen Lebenswelten des Jazz.

By Tyla Stevenson | Digital fashion, a burgeoning intersection of digital media and the fashion industry, consists of 3D-modeled garments and accessories that are represented through digital environments such as metaverses, augmented reality (AR), virtual reality (VR), and sold or authenticated using non-fungible tokens (NFTs). Unlike physical fashion, these digital items do not exist in conventional material form and are not designed for physical wear, shifting the pictorial representation of fashion from digital photography to computer-generated imagery (CGI). This paper critically examines discourses surrounding digital fashion and the perceptions of immateriality as well as common associations between technological advancement and political and social progress. These discourses are often framed by technological determinism, which positions the rise of digital worlds as inevitable, and presents innovation as a natural response to historical developments.

The aim of this paper is to highlight the materiality of digital fashion which arises from the engagement between physical bodies and digital spaces. Furthermore, this process relies on physical infrastructures, from technological hardware and servers to the environmental impacts tied to its circulation and storage, and is further shaped by the software and platforms that enable its production and use. This study provides a framework to engage critically with digital fashion’s conceptual and material dimensions, offering insight into its evolving role in the larger discourse on technology and culture as virtual spaces continue to expand.

Von Axel Philipps | Nach Thomas S. Kuhns Ausführungen verändert sich die Perspektive der Forschung in wissenschaftlichen Revolutionen fundamental. Neue theoretische Annahmen würden nicht nur bis dahin unverständliche Phänomene überzeugend erklären, sie würden auch neuartige Herangehensweisen eröffnen, um wissenschaftliche Probleme und Rätsel zu lösen. In diesem Zusammenhang wurde bisher der Stellenwert des Bildlichen für einen Wechsel der Perspektive kaum untersucht. Der Beitrag unternimmt den Versuch, transformative Bildlichkeiten in der Wissenschaft aufzuspüren, ihre Bedeutung für Perspektivverschiebungen aufzuzeigen und zu erklären, wieso sie weitgehend unthematisiert bleiben. Für meine Überlegungen führe ich in Anlehnung an Hans Blumenberg und Kuhn ein Phasenmodell ein, welches transformative Bildlichkeiten in der Phase der Vorbegrifflichkeit verortet, die wiederum die Phasen der Unbegrifflichkeit und der Begrifflichkeit verbindet. Die unterschiedlichen Phasen und die Charakteristik transformativer Bildlichkeiten werden anhand eines literarischen und zwei historischer Beispiele näher beleuchtet.

By Charlotte Brachtendorf | With the rise of multimodal AI tools, such as DALL-E, Midjourney, or Stable Diffusion, it has never been easier and faster to produce compelling fashion images. While the proliferation of AI-generated fashion images can be seen as the ultimate triumph of the fashion image over both fashion text and fashionable garments, this paper critically examines how these images are produced, what exactly they show, and ultimately, how this impacts our understanding of fashion. Building on current research on multimodal AI, specifically text-to-image models, I argue that AI-generated fashion images are produced through textual means, that is, through »operative ekphrasis« (Bajohr 2024: 83). This means that the generation of fashion images created via multimodal AI is based on textual prompts that extract statistically probable images from a latent space, which, in turn, is the result of previously indexed and labeled image-text pairs. Because the indexing of images requires a reduction of complexity, images generated through multimodal AI are often generic. In the case of fashion images, this is reflected in the lack of texture and the reproduction of fashion photography’s conventions. As fashion photography is not necessarily a representation of ›the world‹ or even fashionable garments, it resembles AI-generated images more than other photographic genres. AI-generated fashion images are then not images of fashionable garments, but images about fashion images—a statistically probable permutation of fashion photographs from the past (cf. Meyer 2023: 108). As such, AI-generated fashion images are not only the product of a mediated collective imaginary but also feed back into it. The view on fashion shaped by AI-generated fashion images is then based on reduction and stylized normativity.

Von Swantje Martach | Fühlst du den öffentlichen Raum auch als dich zu einem Aspekt deiner Selbst reduzierend (z.B. zu einer Shopperin in der Mall, oder einer Beobachterin im Café)? Der vorliegende Text sieht den Grund darin, dass heutige Räume Bilder sind, und macht sich auf den Weg, die Ontologie dieser Phänomene, ihre Implikationen für die menschliche Existenz darin, und die Gründe ihres Entstehens zu erkunden. Während also bisherige Bildtheorien sich auf eine Diskussion von Bildern-in-Räumen beschränkten, möchte dieser Text eine neue Art von Bild in den bildtheoretischen Diskurs einführen: Raum-als-Bild. Nach einem Abgrenzen von bildlicher zu narrativer Konzeptualisierung von Raum wird argumentiert, dass Räume einen sogenannten „Bilderdruck“ beinhalten: Räume drängen uns dazu, uns ihren Rahmen anzupassen und konstant bereit zum Bild zu sein, also uns so zu benehmen, als wären wir immer schon im Bild. Als Grund dafür wird der bildliche Raum-Konsum unserer Mitmenschen angeführt, der unsere Aktionen im Raum zu Replikationen von bereits existierenden Bildern jener reduziert. Da Platon einst das Bild als atopoi, also nicht-örtlich und unmöglich zu verorten definierte, wird das hier diskutierte Phänomen provokant als “topisches“ Bild bezeichnet. Jedoch wird diese Bezeichnung nicht einfach nur vorgeschlagen, sondern kritisch diskutiert und seziert um sie auf ihre eigenen Möglichkeiten hin zu dehnen.

By Gerlind Hector | Im Zeitalter von Fast Fashion und schnelllebigen Mikrotrends erlebt Mode eine zunehmende Banalisierung. Interesse weckt heute die Inszenierung von Mode und weniger das It-Piece an sich (vgl. Wittich 2006). Während digitale Mode die physische Dimension von Kleidung infrage stellt, rücken Materialität und Naturbezug — in Form von Obst, Muscheln oder Blattwerk — in einen neuen Fokus. Die künstlerischen Experimente, die vorrangig auf Social Media stattfinden, spiegeln einen gesellschaftlichen Wandel wider: weg von der Konsum- und hin zur Erlebniskultur, und regen zu einer kritischen Auseinandersetzung mit modernen Modepraktiken an.

Sehr geehrte Leser*innen,
die aktuelle, nunmehr 39. Ausgabe der IMAGE, erscheint in enger Zusammenarbeit mit dem Herbert von Halem Verlag. Sie enthält dieses Mal eine bildtheoretische Auseinandersetzung mit dem technologischen Aspekt der Augmentation bzw. der Augmented Reality (AR). Erneut möchten wir allen Beteiligten und ganz besonders dem Herbert von Halem Verlag unseren Dank für die Unterstützung der IMAGE aussprechen. Den geneigten Leser*innen wünschen wir eine anregende Lektüre!

Die Herausgeber*innen der IMAGE
Goda Plaum, Lars Grabbe und Zhuofei Wang

By Ruth Eaton | The pocket, often the subject of gendered discourse and production, is both celebrated and maligned, particularly in relation to disparities in the size and functionality of pockets in men’s and women’s clothing. Prompted by a personal experience of newfound mobility after childbirth, this paper interrogates the gendered dimensions of pocket design and explores how such everyday features reflect broader norms around autonomy, access, and embodiment. Focusing on pocket memes posted by Twitter users between 2019 and 2021, the study employs a social listening approach (cf. Stewart and Arnold 2018) to analyse both the memes and their related commentary. Drawing on Partington’s interpretation of intertextuality, which posits that meaning is generated through the viewer’s relationship with images/objects rather than the inherent properties of the images or objects themselves (cf. Partington 2013: 15). These digital artefacts are understood not as isolated images, but as part of a complex interplay of intertextual references that reflect and shape user experience.

This paper explores how participatory practices of sharing and consuming memes can facilitate online co-creation. Specifically, it investigates the role of memes featuring pockets, in communicating wearer experience of clothing pieces. The aim here is to highlight the potential of meme culture as a form of participatory commentary that reshapes perceptions of such everyday objects like the pocket. By combining insights from dress history, digital media, and feminist critique, this research demonstrates the value of social listening in understanding the intertextuality of memes from the perspective and experience of the consumer.